por Guillermina Abeledo

Intuitivo, Martín Huberman, arquitecto y director de Estudio Normal, reconoce talento y potencial: lo huele, lo identifica, se entusiasma y arriesga, sumergiéndose en la curaduría de cada exhibición.

Galería de arquitectura y diseño en sus distintas áreas, Monoambiente apuesta por lo excepcional en la obra de profesionales contemporáneos y les ofrece un lienzo donde mostrarse.

En este proyecto, el mensaje es clave. Palabras claras subrayan el espíritu de la propuesta: “desarticular prejuicios, modismos y deformaciones”, dicen. Así, netas, sin pretensiones y un poco irónicas, delinean sonrisas:

Monoambiente: un espacio, único, físico y de reflexión. Un típico local comercial de barrio porteño: persianas metálicas, escaparate sencillo, todo a la vista, una trastienda secreta. Adelantado, planta bandera en el extraordinario Barrio Parque Los Andes, priorizando calidad urbana sobre snobismo comercial. (Paradójico, en un complejo de viviendas colectivas para familias numerosas inaugurado en 1928, se bautiza Monoambiente)

Ocupaciones: intervenciones físicas y conceptuales de diseñadores de todas las áreas se apropian del espacio disponible para manifestarse. Rueda que rueda, ocupas con fecha de vencimiento, felices de dar la alternativa al próximo expositor.

Sentir el espacio: melenas o faldas al viento en las hamacas, bancos y espejos de La Feliz, promueven la experiencia táctil; tramas abstractas y complejas imbricaciones en los tejidos de Arbutti, trasladan a universos matemáticos. Y así seguirán, expresiones culturales enriquecidas en la variedad de soportes y disciplinas.

Un espectador incluido desde la experiencia y la evocación. Mundos de lo habitual con algunos guiños de lo fantástico. Vocación de profundizar el camino recorrido.

Todo muy Normal.

Monoambiente
Galería de Arquitectura y Diseño Experimental

Links:
www.monoambiente.com.ar
www.normal.com.ar

por Alejandro Güerri

En una esquina de Saavedra, el arquitecto, pintor y muralista Rodolfo Sorondo levanta las persianas de su taller y nos invita a pasar. Afuera queda el ruido de la calle, y adentro Sorondo empieza a tejer la historia de su vida y de su obra, con parsimonia y sencillez. Es el repaso sincero de un hombre que ha recorrido un largo camino: titular de cátedra en Diseño Arquitectónico de la Facultad de Arquitectura (UBA), autor del libro “Arquitectura en zapatillas y Paredes que hablan”, y muralista especializado en la técnica trencadís, donde las imágenes se construyen con azulejos partidos. Sus murales pueden verse, por ejemplo, en las calles de Morón, Barracas, Palermo y Montevideo, y se recomienda hacerlo a distintas distancias para apreciar la composición general y la infinidad de detalles.

CUANTO MÁS DIVERTIDO, MEJOR
Te hago un cuento que es de dónde sale todo esto. Yo cuando empecé a estudiar arquitectura, también era pintor, pero en realidad no sabía bien qué era. Hacía las dos cosas, y con la pintura empecé a tener cierto éxito, exponía en salones… Coincide eso con que le vendí un cuadro a una señora, quien me invitó a su casa a que viera cómo había quedado. Entonces, me muestra qué bien combinaba con los sillones, con lo cual a mí se me vino el alma abajo porque, con la soberbia de mis 22 años, pensaba que estaba haciendo algo muy importante, que un cuadro era una víscera mía y me pegó fuerte. Entonces, dije “esto no va”, porque si una pintura que a mí me costó un mes de trabajo y dolores de cabeza, alguien iba y lo ponía en su living, había algo que estaba mal. En esa época, uno pensaba que “parirás con dolor” era el estigma del creador. Ahora sé que no, sé que cuanto más divertido sea, mejor es. Cuanto más natural sale algo, mejor es el producto. Además me di cuenta de que un cuadro es para pocos y puede estar en cualquier sitio; en cambio, el mural está en un lugar específico, con todos sus mandatos y es para muchos.

MURALES: EL TRENCADÍS Y LA IMAGINERÍA NUESTRA
Entonces, me empecé a preguntar qué era un cuadro: ¿una ventana hacia un interior o participaba de un espacio? Y descubrí que, en ese sentido, los murales eran mucho más sensatos, unido a eso el interés por el espacio que me daba la arquitectura. Y así empecé a hacer murales. Como trabajaba en un estudio y al arquitecto le gustaba lo que yo hacía, me propuso de hacer un mural para un edificio que al final no salió. Después me apasioné con la arquitectura, además me casé y tenía chicos, con lo cual dejé la pintura de lado. Pero siempre fue una asignatura pendiente. Así que un día tuve la necesidad de retomar y empecé a pintar de vuelta, y empecé a investigar de nuevo el tema de los murales, sobre todo desde la arquitectura. Y descubrí todo el tema del trencadís, impulsado por Gaudí y el modernismo catalán, que era una expresión importante de una cultura popular, porque Gaudí no inventa nada en el contexto de su época y en Catalunia. Los verdaderos creadores no inventan nada, sino que condensan y reformulan lo que está en el aire.

EL MATERIAL MÁS NOBLE
Los murales es bueno que permanezcan. Si son pintados, se degradan por el sol, por la mala calidad de los materiales y a los cuatro años no existen más. Entonces, este material vitrio, que yo conocía porque mi primera mujer es ceramista, me pareció fantástico porque dura por siempre. La cerámica es el material más noble.

UNA ACTIVIDAD GRATIFICANTE
En un momento, decidí que hacer murales era una actividad gratificante para mí. Primero, porque volvía a la actividad plástica. Segundo, porque ya estaba un poco cansado de la arquitectura. Y tercero, me permitía trasladar un planteo teórico que yo ya traía. Además yo solo no puedo hacer un mural, porque es un trabajo gigante y eso te obliga a trabajar en equipo.

PING-PONG Rodolfo Sorondo

¿Un color?
Amarillo

¿Una canción?
“Zamba de abril”, del Chango Rodríguez.

¿Una película?
La Strada, de Federico Fellini.

¿Un arquitecto?
Oscar Niemeyer.

¿Un lugar en el mundo?
Las sierras de San Luis.

¿Un museo/galería?
El Museo Sívori.

¿Un objeto preferido de diseño?
El mate galleta.

Rodolfo Sorondo
Arquitecto, pintor y muralista
www.sorondorodolfo.blogspot.com.ar

Lo pequeño es hermoso, dijo alguna vez el ensayista germano-británico E. F. Schumacher y La Crespo, un restaurante casi tan chico como una cocina, es un claro ejemplo.

Ubicado en la floreciente Villa Crespo, La Crespo es una pequeña casa de comidas que lleva adelante una familia con impronta judía. Se trata de una de las propuestas más modernas que surgieron en este barrio que alguna vez tuvo un carácter fábril. Recetas hebreas milenarias conviven en un barcito vintage de estética palermitana. Tradición, pero con vuelta de tuerca.

En apenas unos pocos metros cuadrados, la chef y dueña Clarisa Krivopisk ofrece una variedad tan amplia como tentadora de productos con foco en la gastronomía hebrea pero sin limitarse a ella. Escrita en tiza, la carta está expuesta en un enorme pizarrón sobre una de las paredes laterales y se organiza en cuatro columnas: Calentitos, Tartines, Strudel y Repostería.

Conocidos o completos extraños, los comensales se acodan unos pegados a otros en el par de tablones altos con banquetas de largas piernas que dispone el salón. Allí intentan devorar el plato insignia del lugar: un sándwich de pastrón con 170 gramos de fiambre cocher casero con pepinos agridulces, mostaza de Dijon, entre pan integral y con cebollas caramelizadas como acompañamiento.

Detrás de la barra de almacén, tienen servicio de “take away” donde podes comprar para llevar sus deliciosos bagels caseros de salmón ahumado, strudel de calabaza al curry y choclo y knishes de papa, entre muchas otras cosas. En los días de sol, hay mesitas y sillas de hierro forjado en la vereda para sentarse a ver en primera fila la transformación del barrio. Vale la pena.

La Crespo queda en Thames 674.

La Crespo
www.lacrespo.com
www.facebook.com/pages/La-Crespo

Oriundo de San Pablo, Henrique Lima se define a sí mismo como “diseñador gráfico interactivo, director de arte e ilustrador”. En 2006, decidió emprender un proyecto de ilustración a dúo, llamado Mulheres barbadas, con Julio Zukerman. En estas creaciones conjuntas hay dos rasgos sorprendentes: la cantidad de información que tiene cada pieza y el hecho de que siempre están pintadas en blanco y negro. Las “mujeres barbudas” de Lima y Zukerman han sido vistas en el espacio público, en paredes de museos y en galerías de arte, tanto en San Pablo, como en Río de Janeiro, Recife e Italia. Aquí, Henrique Lima nos habla de su proyecto.

¿Cómo surgió el proyecto Mulheres barbadas?
Julio y yo éramos amigos y a ambos nos gustaba dibujar por diversión. Además, trabajábamos juntos como directores de arte en el mismo lugar. Se suponía que era un trabajo creativo, pero nos sentíamos un poco frustrados. Mulheres Barbadas fue nuestra manera de sacarnos de encima esa sensación. Nunca pensamos que iba a ser tan importante para nosotros, pero el proyecto creció fuera de nuestro control y ambos dejamos nuestro trabajo para dedicarnos de lleno a esto. Fue lo mejor que pudimos haber hecho.

¿Qué te inspira para crear el imaginario de figuras de MB? ¿Qué aporta en los dibujos la elección del blanco y negro?
Mucho tiene que ver con el random: probamos cosas y cuando alguna funciona, lo dejamos. Para nosotros es como hacer garabatos en hojas de papel, pero luego las apilamos en una sola pieza. Nos gusta el caos, por eso pintar en blanco y negro ayuda a mantener ese desorden, y también a que nuestros dibujos parezcan un poco menos infantiles, lo cual no nos gusta.

¿Cómo es crear una obra de a dos? ¿Trabajan con un boceto previo?
Estamos acostumbrados y es genial. A veces, nos turnamos y también trabajamos al mismo tiempo en diferentes partes de la obra. Me divierte mucho ver lo que está haciendo Julio, y estoy seguro de que a él le pasa lo mismo. No trabajamos con bocetos, sólo decidimos de antemano si vamos a usar personajes, o si vamos a dibujar robots o dinosaurios, pero cada pieza se arma a medida que avanzamos.

¿Qué cosas, sí o sí, debe tener en cuenta un diseñador gráfico interactivo, a la hora de trabajar para una marca?
Las marcas son buenas porque te dan dinero, pero no las precisás para hacer cosas. De hecho, yo recomiendo no hacer solamente trabajos para marcas. Al menos, si sólo hiciera eso, envejecería más rápidamente, amargo y triste.

PING-PONG de Henrique Lima

¿Un color?
Cualquiera.

¿Una canción?
“All Caps”, de Madvillain.

¿Una película?
O Cheiro do Ralo, de Heitor Dalhia.

¿Un diseñador?
Jim Woodring

¿Un lugar en el mundo?
Me gusta viajar, pero también amo estar en casa con mi chica y los gatos.

¿Un museo/galería?
Logo o Choque Cultural, en San Pablo.

¿Un objeto preferido de diseño?
Guitarras, teclados, MPCs.

Henrique Lima
Diseñador gráfico interactivo, director de arte e ilustrador oriundo de San Pablo, Brasil.
Creador del proyecto “Mulheres barbadas”
www.mulheresbarbadas.com

En agosto de 2011, Paul Iribarne abrió Céspedes Coworking, un espacio compartido de trabajo con un total de 14 puestos disponibles. Situado en Colegiales, CC funciona en el edificio donde antes estaba la fábrica de Revlon. Según cuenta Paul, “fue la oportunidad de armar algo desde cero, pensando en todos los detalles para un lugar compartido que tiene sus dinámicas y sus necesidades particulares. La idea es que sólo traigas tu computadora y no pierdas ni un minuto en temas de oficina, como comprar muebles o arreglar cosas que se rompen”.

Pero vayamos un paso más atrás. ¿Qué es el coworking? El creador de Céspedes Coworking, un verdadero entendido en el tema, nos explica que “es un cambio que se da en respuesta a otros más profundos. Estamos en los últimos años de la cultura del cubículo, que es la vida típica de oficina. Ahora, en cambio, mucha gente ve muy viable trabajar en forma independiente como una opción de vida. Eso te lo permite la movilidad, la tecnología, el hecho de trabajar por proyectos, en distintos países, y los espacios de trabajo se acomodan a esas nuevas formas de trabajar.”

El perfil de los clientes de CC tiende a lo creativo: diseñadores, arquitectos y start-ups de Internet, entre otros, conviven en un espacio físico, donde no hay ninguna separación. “Cuando viene alguien y dice que no quiere trabajar más en su casa, o que no puede estar trabajando todo el día en un bar, o que necesita la energía de un grupo, son todas cosas que entiendo porque las viví”, amplía Paul, quien antes de abrir CC, tuvo varias experiencias como cliente de lugares similares al suyo.

Entre otras ventajas de esta nueva forma de trabajo, Paul señala que “la pertenencia a un grupo motiva, ordena, y facilita para separar la vida personal de la laboral. Además del espacio físico, pueden surgir, de forma espontánea, intercambios de ideas, aportes de recursos y sinergias de trabajo”. Y si bien otro de los grandes beneficios del coworking es contar con una amplia gama de servicios a disposición, Paul aventura una hipótesis futura: “A medida que el coworking sea más y más conocido, la gente va a llegar a Céspedes Coworking más por la comunidad que por los servicios y el lugar. Hoy llegan por lo tangible, pero se quedan por lo intangible.”

PING-PONG Céspedes Coworking

¿Un color?
Azul

¿Una canción?
“Here, there and everywhere”, de Los Beatles.

¿Una película?
Vacation (1983), de Harold Ramis.

¿Un diseñador?
Le Corbusier.

¿Un lugar en el mundo?
La Barra en Punta del Este.

¿Un museo/galería?
Museo del Mar, en Uruguay.

¿Un objeto preferido de diseño?
Paraguas.

Céspedes Coworking
Espacio de trabajo compartido con un total de 14 puestos disponibles
Céspedes 3249- CABA
Link: www.cespedescoworking.com

por Alejandro Güerri

“Lo que más me gusta son los perros, tengo una locura con eso. Y me di cuenta de que hay mucha gente a la que le gustan los objetos que tienen que ver con el perro. Más allá de que aman a su mascota, los que son muy fans de su perro, por ahí se compran una taza con un perrito. Y es una veta que no está muy explotada en el mercado”, dice Belén Lagar en relación a su flamante marca de vajilla, Foreverpets. Conocedora del rubro, durante tres años llevó adelante Entreplatos con una socia, donde hacían vajilla con diseños retro o abstractos para un público de 20 a 40 años.

“Ahora quiero abarcar todo lo que sea para la gente y para la mascota, pero no quiero entrar en la indumentaria porque me aburre y ya hay mucho”, continúa. Dentro de ese universo, Foreverpets se materializa en bowls, lecheras, tazas, platos y teteras de corte inglés y oriental, entre otros productos de vajilla cuyo sello distintivo son los diseños con perros y gato, y las frases de amor a la mascota escritas en inglés y francés. Todas las piezas están hechas en porcelana y pasan por las manos de Belén, de principio a fin: “Yo diseño, mando a imprimir los calcos, fabrico y también horneo”.

Dos cosas más sobre Foreverpets. Por un lado, la marca ya tiene listo un nuevo producto con pinta de hit: las camas para perros y gatos hechas con valijas antiguas. Según cuenta Belén, surgieron porque “las camas que conseguís en las veterinarias no son lindas. Entonces, le busqué una vuelta para que tengan un poco de diseño y queden divinas en un living”. Por el otro, la comunicación de Foreverpets está a cargo de los animales, son ellos quienes hablan en cada flyer de la marca. “Me gustan los animales comunicativos, me parece acertado. Incluso estoy pensando que mi perro sea la cara de la marca y que él comunique todo.” Y cierra: “es como un capricho que me estoy dando”.

PING PONG Foreverpets

¿Un color?
Violeta.

¿Una canción?
“Diva Lady”, de The Divine Comedy.

¿Una película?
Frankie and Johnny, de Garry Marshall.

¿Un diseñador?
Vivienne Westwood y Alejandro Ros.

¿Un lugar en el mundo?
Cualquier museo.

¿Un museo?
El Guggenheim de Nueva York.

¿Un objeto preferido de diseño?
Ñiño sonámbulo, de Yoshitomo Nara.

Forever Pets
Vajilla de autor inspirada en las mascotas
www.facebook.com/profile.php?id=100000207101645

Sentado en una mesa larga custodiada por juguetes de lo más insólitos, Gaspar Libedinsky habla con precisión y pasión de su trabajo como arquitecto y de sus obras como artista, dos mundos cuyas fronteras parece borrar a cada paso. Nacido en Buenos Aires en 1976, su formación académica y laboral transcurrió fuera del país: estudios de arquitectura en la Architectural Association (AA) de Londres, y trabajos en Róterdam y Nueva York para estudios prestigiosos como Rem Koolhaas/OMA y Diller Scofidio + Renfro, donde estuvo a cargo del diseño del High Line Park en Manhattan. En Argentina, durante el 2011, expuso “Mister Trapo” como becario en el espacio de la Beca Kuitca/UTDT, “Arquitectura para el cuerpo” en el Malba, y la videoinstalación “Cuckoo” en la Bienal del Fin del Mundo. Pero además de currículum (también da clases en Harvard y en la Architectural Association (AA)), a Gaspar Libedinsky le sobran visión y capacidad de hacer: una especie de manifestación expresiva múltiple que plasma argumentos de forma muy concreta.

En “Productos Caseros” y en “Cuckoo” se ve cómo se hacen boquetes: ¿Qué significan esos agujeros?
En todos los casos, creo que el artista debe ser el máximo experto en lo que haga. Por eso, previo a cualquier realización, necesito sentir que soy el máximo experto en el tema que voy a tratar. Entonces, “Productos Caseros” comenzó por un estudio profundo de la historia de la cárcel de Caseros y cómo fue transformada por sus propios habitantes, los presos, para recién después entender cuál era la intervención que yo debía hacer. Y en ese caso, entendí que la mejor operación era no hacer nada. Yo no tenía que hacer una obra, porque no había una obra superior a la que habían hecho los presos, que eran estos boquetes en la fachada que conectaban la cárcel con la ciudad. Estos boquetes, que eran ventanas al ras del piso, servían para comunicar a los presos con sus amadas y también como un medio de comunicación para trepar por las fachadas, de boquete en boquete, como el Hombre Araña.
El boquete en la cárcel de Caseros era Internet, era la televisión, era el teléfono, eran las calles y veredas, era todo sistema de comunicación que nosotros tenemos por fuera de la cárcel, entendiendo también que las cárceles en la ciudad siguen siendo vacíos, que no forman parte del tejido urbano ni legislativo de la ciudad. Las cárceles son como embajadas. Por eso, las charlas de las amadas con los presos funcionan como un puente aéreo entre la ciudad y la no ciudad. La intención, entonces, fue rescatar el boquete y enfatizar su rol de lente que mira Buenos Aires. Lo que hice fue diseñar la ingeniería para recortar un pedazo de fachada de 2m x 2m y extraer un boquete original hecho por los presos y llevarlo a un punto B, que es donde la ciudad me permitió ponerlo de manera temporal. En ese traslado de 6 pisos de movimiento vertical y 4 km de movimiento horizontal es donde el boquete pasa a enfatizar su rol de lente, documentando lo que ve a través de una cámara de video instalada de manera parásita al boquete. Ese proyecto tiene que ver con un tema que recorre toda mi obra, que es la apropiación del espacio por el individuo.

En el caso de “Cuckoo”, forma parte de una serie de obras que yo llamo VideoArquitecturas, que son video instalaciones en las que proyecto narrativas sobre pequeñas estructuras arquitectónicas, sea una casita de pájaros, una casa de muñecas o un cablecarril de juguete. “Cuckoo” es literalmente una casita de pájaros a la que yo le tapié el boquete, y tiene que ver con un traspaso en mi trabajo hacia las arquitecturas mínimas, tras haber trabajado en proyectos de escala urbana tales como el High Line Park en Nueva York.

¿Cómo es tu relación con los materiales?
En realidad, mis materiales son los conceptos, son los argumentos. El rol del artista es, justamente, el de generar argumentos. Aquel que pinta, pero cuya obra no llega a transmitir argumentos fuertes, es un pintor y no un artista. Lo que define al artista no es saber pintar, ni esculpir, sino la capacidad de generar argumentos que sean relevantes para las discusiones sociales y culturales de nuestro tiempo. Mi material es el moldeado de estos argumentos.

PING-PONG Gaspar Libedinsky

¿Un color?
Azul marino

¿Una canción?
“Here comes the Sun” de Los Beatles.

¿Un diseñador?
Rem Koolhaas.

¿Un lugar en el mundo?
Praia do Sono (Brasil).

¿Un museo/galería?
Serpentine Gallery (Londres).

¿Un objeto preferido de diseño?
La botella de Coca Cola de vidrio de 237 ml.

Gaspar Libedinsky
Arquitecto y artista plástico
www.gasparlibedinsky.blogspot.com.ar
www.thehighline.org/design/high-line-design

por Guillermina Abeledo

Un mural neoplasticista…o un troquelado para armar… En su tenso reposo, Kabinett involucra al visitante, desde el vamos. Dual, hermético y algo irónico, insinúa ingenio.

Cinética, pronto la línea se transforma en movimiento. Cinematográfica, se inicia una lúdica rutina. Abrir el portón, girar las marquesinas, rebatir el asiento: de un plano, un espacio. Escena animada, una coreografía capaz de repetirse cada mañana con el sólo asomar del tendero desde una de las esquinas. Casi un stand, un puesto de feria.

En la antesala, un espacio intermedio: el banco es barrio, es jardín delantero, mágico guiño urbano que los salva del desvanecer. En el interior, la abstracción: impoluto monocromo, preciso y calibrado para desaparecer. En su unidad, almacena, exhibe e ilumina mientras guía el curioso deambular en un único gesto.

Magistralmente esculpido, el espacio cede protagonismo a los innovadores objetos expuestos empeñados en re-significar la vida cotidiana. Juego de encastres, los volúmenes se deslizan hasta encontrar su exacta posición. Milimétrico, nada distrae. Paños vidriados se llenan de sol mientras nobles cenefas balizan sugeridos focos de atención. Conceptual espacio-exhibidor, toda la creatividad se filtra en un encargo tan mínimo como potente, y en apenas 50m2 cristaliza la lúdica oportunidad de hacer arquitectura.

Kabinett
Local de diseño diseñado por la arquitecta Ana Rascovsky
Gurruchaga 1744- Buenos Aires- Argentina
www.kabinett.us/ www.facebook.com/pages/Kabinett
www.anarascovsky.com

por Alejandro Grimoldi

Un círculo es decenas, cientos de círculos. La misma forma, simple, se multiplica, se ensancha o se achica, cambia insensiblemente de color, del rojo al carmín, del carmín al violeta, y termina encimando todas sus versiones, todos los círculos que son una sola forma en mil configuraciones distintas. Ese es, en esencia, el proceso de trabajo de Mecha Méndez. Al menos el más representativo, ya que ella también explora otros modos –algunos más simples o menos ordenados– de relacionar color y forma sobre el algodón, el metal y otros materiales en una gama de accesorios y joyas que van desde unos coquetos aros nocturnos hasta unos bolsos coloridos y casi hippies. Todos están hechos a mano.

“Comenzó como un juego, el combinar colores siempre me generó mucha adrenalina y encontré en los accesorios un soporte perfecto”, dice Mecha, que hace años llegó a Buenos Aires de su Goya natal, en Corrientes, para estudiar Diseño textil en la UBA. Hoy está al frente de la marca que lleva su propio nombre. La empresa fue creciendo espontáneamente, sin plan: empezó con un trabajo para una amiga “y luego el círculo se fue abriendo hasta llegar a países como Australia, Italia, Brasil. El negocio fue tomando forma cuando me asocié con Juan Méndez, mi hermano, que es el encargado de la planificación y comercialización”.

Con mucho más de cien ítems en su catálogo, la marca está asentada pero sigue avanzando según la curiosidad y la pasión por “el arte, los colores y la naturaleza”.

¿Cómo fuiste definiendo tu estilo? ¿Cómo fue evolucionando?
Siempre me guía la intuición, nunca le di importancia a la moda. Eso fue fundamental para el desarrollo de un estilo personal.

¿Trabajás todo a mano? ¿Cuán importante es eso para vos?
Muy importante, me opongo a la frialdad anónima del universo industrial. Me interesa la parte humana, la relación que se genera entre la pieza y la persona que la hace.
Por ejemplo, esta temporada los gauchos correntinos nos deleitan con su oficio, fabricamos unos bolsos con manijas trenzadas, cada manija es única y podemos identificar en el tipo de trenza quién fue el artífice.

PING-PONG de Mecha

¿Un objeto?
Un libro.

¿Una forma?
El círculo.

¿Un lugar?
El campo.

¿Algo que te inspire/motive?
Los colores.

¿Un referente/modelo?
Josef Frank (1885 – 1967), arquitecto y diseñador austro- sueco. Fue uno de los fundadores del movimiento de Diseño Moderno Escandinavo.

Mecha Méndez
Diseñadora de joyas y accesorios
www.mechamendez.com

….”Por el espejo de irte quedando dormida el largo día pasa, pasa un río, pasa el agua de ese río, muchos ríos pasan, noche que llega por la ventana entrecerrada, que no oscurece el agua, pasa, pasa el recuento de lugares en espera, siempre, de lo mismo, el desenlace súbito del espectáculo del día en que llegaste a ser casi todas las cosas”…..Arnaldo Calveyra.

Victoria Sayago
Fotógrafa y cineasta
www.victoriasayago.carbonmade.com